T’as le look rococo, Coco t’as le look

ou

Trente ans d’influence XVIIIe dans les musiques populaires

Préface du rédacteur

Que le jeu de mot laid du titre sonne comme un avertissement au lecteur: cet billet contient des oeuvres d’un goût plus que douteux, qu’il soit musical ou vestimentaire. Dixhuitièmistes sourcilleux passez votre chemin, je ne saurai être tenu responsable de vos crises cardiaques. Les historiens du rock et du kitsch me pardonneront également la subjectivité de l’ensemble et son point de départ tardif. Oui, j’ai entendu parler de Jimi Hendrix ou Mick Jagger et sais que le mélange d’instruments modernes et de chemises à jabot ne date pas d’hier. Pour satisfaire -ou faire fuire- les plus baby boomers d’entre vous, je me permettrai donc une petite reprise de Bach au synthétizeur analogique par Wendy (à l’époque Walter) Carlos. Interrogations sur le genre, musique électronique, costume flamboyant: les bases sont posées.

Rockers dépités, classicistes courageux ne désespérez pas: si par malheur quelques kraftwerkophiles à grosses montures, fétichistes du Moog se sentiraient encore en terrain connu, l’extrait suivant devrait achever d’insulter tout le monde.

Au début des années 80

Je me souviens de soirées, passées non pas dans des boîtes où l’on dansait le mia, mais devant Champs-Elysées et autres émissions de variétés à paillettes. Un invité régulier était Rondo Veneziano, sorte d’orchestre de chambre avec guitare et batterie en perruques poudrées sur la soupe. Alors oui, aujourd’hui on en rigole. On se demande pourquoi Rondo Veneziano n’assumait pas jusqu’au bout, pourquoi les instruments modernes étaient complètement sous-exploités et surtout pourquoi le maestro Gian Piero Reverberi ne se mettait pas lui aussi en culotte et bas blancs. On en viendrait même à le considérer comme le père spirituel d’André Rieu. Mais avec toute la ringardise et le playback qui caractérisaient ces performances, il faut reconnaître que, pour beaucoup, Rondo Veneziano a été un premier contact avec la musique “classique”, les chemises à jabot et plus globalement le mélange des genres.

Mylène Farmer

Pour ma génération, le plus grand choc lié à ce mélange vient sans doute des clips de Mylène Farmer, plus particulièrement le mythique diptyque Libertine – Pourvu qu’elles soient douces. De gros moyens pour éviter la pacotille des rondeaux vénitiens et un format court-métrage inhabituel: le duo Boutonnat – Farmer rend un véritable hommage au Barry Lyndon de Kubrick. Musicalement, pas de tentative de “faire XVIIIe” pour coller aux images: on assume complètement le son pop des années 80. Violente mais diablement efficace, cette juxtaposition se retrouvera à chaque décennie suivante au cinéma avec Plunkett & McLeane de Jake Scott (1999) et le Marie-Antoinette de Sofia Coppola (2006). Plus que leur époque, ces clips ont durablement marqué la perception du siècle des Lumières dans l’inconscient collectif français: quand Christophe Gans, le réalisateur du Pacte des Loups cherchait l’hommage à divers réalisateurs, ses acteurs, sans doute plus lucides, ont confessé avoir eu l’impression de se trouver sur le tournage de Libertine.

J’ai une tendresse particulière pour Pourvu qu’elles soient douces car, passés les synthés si caractéristiques, c’est un des rares succès français mettant en valeur le scratch. Cinq ans après le pionnier Rockit de Herbie Hancock, 4 ans après l’heure de gloire du H.I.P.H.O.P. de Sidney, Pourvu qu’elles soient douces constitue un passage de témoin (certes un peu capillotracté) entre la mode du smurf et les décennies qui marqueront l’avènement du hip-hop français.

Bien sûr, au delà de la réalisation des clips et de l’efficacité des morceaux, il faut appeler un chat un chat et reconnaître que ces disques se sont vendus parce qu’ils parlaient de sexe. Mylène Farmer avait déjà pratiqué la confusion des genres et tenté un petit name dropping XVIIIe dans Sans contrefaçon (“un mouchoir au creux du pantalon je suis chevalier d’Eon”). L’exploration de l’androgynie et de la bisexualité continue, en y ajoutant les fessées qu’affectionnait tant Rousseau et une sodomie pas si Sadienne que ça. La recette est vieille comme le monde, mais une certaine idée du XVIIIe permet d’émoustiller le chaland avec classe. C’est ce qu’a compris, à l’échelle internationale, une autre interprète féminine de renom.

En 1990 c’est la démocratisation

Outre une habitude des clips érotiques, Madonna partage avec Mylène Farmer la faveur d’un public homosexuel masculin. Ce lien privilégié permet de récupérer les dernières tendances pour les convertir en succès commerciaux. En témoigne le recyclage du voguing, une danse de boîtes gay new-yorkaises, en un des plus grand tubes de la chanteuse américaine. Au cours des MTV Music Awards de 1990, elle rend à César ce qui est à César, dans un festival de nez poudrés et de shorts moulants.

Les véritables experts en histoire des musiques nocturnes homosexuelles m’objecterons que l’utilisation d’éventails et la modernisation de costumes XVIIIe vient en fait d’Europe, plus particulièrement d’Espagne avec le groupe Locomia. Parti d’un phénomène vestimentaire et chorégraphique, Locomia a  utilisé la musique comme support pour un véritable défilé de mode. Les morceaux hispanophiles des 80s françaises (Manolo Monelete de Vanessa Paradis, Marcia Baila des Rita Mistouko etc) semblent bien timorés face à cette orgie textile. Épaulettes démesurées, cuissardes-poulaines que ne renierait pas Francis Lalanne, et un jeu d’éventail digne des plus grands maîtres du nunchaku: Locomia a mis la barre très haut.

Presque simultanément, à l’autre bout de l’Europe, d’autres artistes dance apportent les codes queer au grand public. Army of Lovers, trio Suédois aux concerts en playback assumé, connaît un succès international avec Crucified. Il y en a pour tout le monde: velus ou pigeonants, les décolletés sont profonds et les trois membres du groupe doivent écluser d’importants stocks d’eye liner, de manchettes en dentelle et de bas blancs.

Army Of Lovers – Crucified par val6210